Scope Miami 3

Colectiva

CREADORES PARTICIPANTES

José Vera Matos, Fabiano Gonper, Ruth Quirce, Hendrik Kerstens, PSJM, Sergio Sotomayor, Agustina Nuñez, José Luis Serzo, Luis Quintero, Nicola Constantino

José Vera Matos

La democratización de los símbolos, la indeterminación y el consumo de lo efímero, representan algunas de las principales características del mundo contemporáneo. Estas particulares características, a su vez, son generadas por la mala administración de tecnología, la ausencia de discursos coherentes y la exacerbada búsqueda de placer.
Frente a estos fenómenos José Vera se reconoce como parte activa y constitutiva de esta realidad. En este trabajo, nos muestra imágenes en primeros planos, que abarcan en su gran mayoría símbolos representativos de la cultura occidental.
Para ello se sirve del dibujo, -en algunos casos acompañados de textos panfletarios y bíblicos- y la instalación de un instrumento. Éste se complementa a su vez, de un texto que recorre toda la sala y que enumera los géneros musicales aparecidos a partir de la década del setenta, hasta el día de hoy.
Así, La vida de los animales reproduce y explora, las principales narrativas de una cultura fragmentada, planteando además la pregunta por !a existencia de un sentido permanente de las cosas.
Sin embargo, no debemos buscar en esta exposición, una taxonomía o una clasificación articulada, ni mucho menos una posición crítica enraizada en un discurso ideológico. Por el contrario, la obra exige al espectador establecer su propio orden y relación entre las diversas imágenes, que nos sirven para reconocer las determinaciones que creamos, a pesar de que éstas, sean irremediablemente vulnerables.

Fabiano Gonper

En la construcción de su trabajo, Fabiano Gonper aborda, a partir de experiencias de orden personal, cuestiones sobre el sujeto en las instancias individual y colectiva.
El poder, la política, el arte, el sujeto, la sociedad, el sistema del arte (las categorías, el museo, la galería, el coleccionista, …) son cuestiones abordadas por el artista en sus dibujos, esculturas, fotografía e instalaciones .
Frecuentó los cursos de escultura de la Funesc en 1989-90. También en 1989 ingresa en la universidad federal de Paraíba para cursar ingeniería civil. En 1992 se desconecta del curso de ingeniería civil y se dedica a las actividades artísticas. Entre 1995 y 2002, con algunos intervalos, trabaja como diseñador gráfico en agencias de publicidad. Entre 1996 y 1999 participa en talleres y talleres con artistas brasileños y extranjeros en João Pessoa. En 1999 fue artista residente de la Escuela Superior de Artes Visuales de Ginebra (Suiza) con beca concedida por la Fundación Pro-Helvetia. Entre 2003 y 2007 fue director de la galería de Arte Archidy Picado (Funesc João Pessoa) en 2003/2005 fue uno de los coordinadores del OZ – Espacio Experimental de Arte y Residencia Artística también en João Pessoa.
Ha participado en exposiciones en Brasil y en el Exterior.
Vive y trabaja en São Paulo SP.

Ruth Quirce

Esta vez su trabajo gira en torno a la idea del caos, “Pequeño Apocalipsis” que recuerda esos momentos de fragilidad, esos pequeños límites, explosiones que desequilibran una situación tranquila; en resumen, pequeños brotes de caos que perturban la aparente tranquilidad de todas las cosas.

Ruth, partiendo de su propia sensación como un elemento silencioso y desde su posición inmóvil, es espectadora de todo lo que sucede a su alrededor. Todo lo que la rodea se está moviendo, girando; el más cercano y el más lejano, más allá de los límites del universo. Con las palabras del propio artista: “Estoy hablando desde mi propio espacio, tranquilo, controlado y protegido. Un pequeño espacio “redentor” que, como el sol, mira todo desde cierta distancia “.

“Pequeño Apocalipsis” presenta pinturas donde la geometría contribuye al mismo tiempo a la estabilidad y el desorden, con planos, líneas y elementos energéticos con una apariencia metálica robusta como esta montaña / pirámide / ziggurat que actúa como una fuente de energía, “luz como atmósfera, como una declaración medio donde las cosas, la realidad aparece “.

[1] Reference to the exposition “Viajes nocturnos del sol” carried out in Blanca Soto Arte in 2004

[1] El hombre y lo divino. María Zambrano.

Hendrik Kerstens

Las fotografías de Hendrik Kerstens (1956) recuerdan las pinturas de Johannes Vermeer (1632-1675). Ambos retratan a mujeres en situaciones cotidianas. Medido, dedicado, sereno. Estas imágenes son piezas íntimas de género, sin elementos anecdóticos o simbólicos. Ambos artistas demuestran su maestría en el control de la iluminación, con un ojo escrupuloso para las sutiles expresiones de los materiales. Este enfoque en una versión realista infunde su trabajo con cualidades poéticas.

Mientras que Vermeer tenía varias mujeres diferentes para posar para él, Kerstens se concentra en una sola persona: una niña de cinco años, a quien presenciamos como una mujer a lo largo de los años, y cuyos cambios físicos se pueden rastrear en detalle. Lo que queda es la mirada examinadora omnipresente. El ajuste en las fotos de Kerstens se ha reducido al mínimo absoluto, llamando la atención sobre la cara y los ojos expresivos del sujeto. Sus ojos insondables y fijos buscan sin pestañear el contacto con la cámara y el espectador.
Ninguna de las modelos de Vermeer ha sido identificada alguna vez con certeza, incluyendo ‘La chica con un pendiente de perlas’, a quien los críticos creen que fue María, la hija mayor de Vermeer, que tenía doce o trece años en ese momento. Con Kerstens, no hay dudas sobre su musa: su hija Paula. Desde su nacimiento, él ha estado fascinado por su personalidad expresiva y registró los eventos mayores y menores en su vida. Un cronista dedicado y un padre solícito que ve a su hijo crecer hasta la edad adulta. Un hombre que quiere detener el paso del tiempo y mantener a su hija con él para siempre. La vemos bañarse, empapada de lluvia, con la cara maquillada, con frenillos, llorando o quemada por el sol. Todas las cosas ordinarias y cotidianas.

PSJM

PSJM es un equipo artístico conformado por Pablo San José (Mieres, 1969) y Cynthia Viera (Las Palmas, 1973), quienes están trabajando en Madrid. PSJM funciona como una marca comercial de arte aventajado, sus acciones y trabajos hablan sobre obras de arte y su lugar en el mercado, comunicación con el consumidor de arte y la función como un tema de arte, utilizando recursos y elementos del capitalismo de la comunicación y la sociedad del espectáculo para encontrar el paradojas que se producen por su desarrollo caótico.
PSJM ha tenido shows en lugares como Nueva York (“The Real Royal Trip. By the Arts”, PS1-MOMA. En colaboración con El Perro y Aitor Méndez.), Miami (“Deluxe”, galería Casas Reigner), Colonia (KunstKöln04) , Galería Blanca Soto) o Berlín (“Shopped till Death”, Tuteurhaus) y muchos espectáculos individuales y grupales en España.

Sergio Sotomayor

Femenino, el origen, probabilidades, la percepción como límite de nuestra conciencia…

“Cuántica” plantea una reflexión sobre la vida dentro de un entorno infinito a modo de cargador matricial. Dentro de este hábitat  existen probabilidades que propician la construcción de nuevas realidades que se concretan a voluntad del individuo y su inherente atracción de dichas posibilidades. El potencial cuántico depende de las interacciones entre las “partículas” del sistema y el contexto, por lo que cualquier suceso, por muy irreal que parezca, posee una probabilidad de que suceda.

Agustina Nuñez

Cursó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon; y licenciatura en el Insituto Universitario Nacional de las Artes (I.U.N.A.). en Bs.As., Arg. Estudió con el artista Sergio Bazan; y teoría y crítica de arte contemporaneo con el Dr. Hugo Petruschansky.

Expuso en varias muestras individuales y colectivas, tanto en Argentina como en el extranjero.

Entre sus muestras individuales mas recientes se destacan: “Little Polymorphous” en Diversworks, Art Space, en Houston- USA, “Memoria Selectiva” en la Galería Leme, en San Pablo- Brasil, “Canto Primero” en el MACRO, con intervenciones en la fachada del Museo de Arte Contemporaneo de Rosario- Arg.

Participó de diversas exposiciones colectivas como ser “Artists From Argentina: Works on paper”, en Kentler International Drawing Sace en N.Y. Brooklyn- USA, co-curada por R. Bueno y A. Carrera; “ El Fulgor” en la Galería Blanca Soto, curada por A. Azar, en Madrid- España; “Amnesia Maravillosa”, curada por L.Spivak en el C.C.E.B.A., Centro Cultural de España en Bs As- Arg.

Seleccionada para participar de los premios: Petrobras-Arteba Tercera Edición ‘06 con la obra mural “Música de Cañerias”; y Premio Curriculum Cero ’06, con la serie de dibujos “Serie Rosa” en la Galeria Ruth Benzacar, entre otros. En el 2008, fue seleccionada para participar del LIPAC- Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas- Coordinado por Alicia Herrero; en el Centro Cultural Ricardo Rojas, Bs.As., Arg.

Desde el 2005 realiza intervenciones de dibujos murales en diversos espacios públicos y privados. Recientemente varios de los mismos realizados para el Estudio de Arquitectura del Arq. Arthur Casas en San Pablo, Brasil.

José Luis Serzo

En su obra actúa como narrador de fábulas, que presentan otros posibles universos y construye mundos que trascienden la realidad. Estos mundos, lejos de ser un refugio frente a un panorama hostil dominado por el pesimismo y la violencia, tratan de ser una alternativa positiva, una plataforma esperanzadora desde la que abordar y transformar el arte e incluso la vida.

Partiendo del virtuosismo técnico, Serzo busca dar forma y vida a una cuidadosa puesta en escena, donde tiene cabida todo tipo de disciplinas (pintura, dibujo, fotografía, literatura…) para narrar historias donde la realidad y la imaginación van de la mano en un universo estético cargado de una simbología muy personal.

Su obra ha de ser entendida como un ejercicio cultural a tiempo completo. Su particular técnica y su mensaje, lleno de simbolismo, es tan solo una parte dentro de un conjunto más amplio, que se completa con textos que narran cada una de sus series. Se trata de relatos explícitos que nos introducen en una serie de historias surrealistas, donde el artista nos deja su particular visión de la realidad.

Divide su obra en diferentes proyectos: Post Show, El fantástico vuelo del hombre cometa, The welcome, Los sueños de I Ming o Familasia. Sus personajes, muchas veces sacados de la gente que le rodea, nos transporta por mundos extraños llenos de color y un oscuro onirismo al que se suman la magia y el humor.

Luis Quintero

Como viene siendo habitual en su trabajo, Luis Quintero presenta en esta ocasión una obra escultórica de tradición clásica y gran factura que hibrida diferentes materiales como el marfil, la madera, el bronce, la terracota, etc…  Materiales que trata con oficio de artesano al servicio del conocimiento, principio fundamental en su obra. Un conocimiento que se identifica con la vida y que reside simbólicamente en la cabeza (receptor tanto del conocimiento como del alma humana) de ahí la importante presencia de esa parte tan significativa del cuerpo humano en la producción escultórica del artista gaditano.  Ejemplo de ello son: Maeternidad, N.A.C.E.R, La Muerte por delante, recordando a Magritte,  etc…

Quintero, del mismo modo, aborda con ironía y de forma implacable aspectos y actitudes humanas mediante fábulas y símbolos; este es el caso de Edipo y la esfinge, Contraesopo, el iluso, mesa para princesas, etc…  Este empleo del lenguaje simbólico permite al artista una comunicación ingeniosa que invita al espectador a indagar en la obra buscando los vestigios de su significado, en muchas ocasiones polisémico, que convida a la reflexión y al detenimiento.

El empleo de acrósticos en un gran número de piezas otorga al artista la posibilidad de dotar de diferentes lecturas cada trabajo, mediante un sencillo y directo juego con quien se enfrenta a sus esculturas.  Esta mezcla de juego, ironía y referencias a otras fuentes de conocimiento como la ciencia, la religión, la poesía, etc… hace la obra de Luis Quintero atractiva y perturbadora, mordaz y contundente.

En palabras de F.M. Cano: “la obra de Luis no es transitoria, no habla del instante sino de leyes generales de un momento global, de lo válido para siempre. Es una obra meditada y meditativa.  Sin pretericiones doctrinales pues nos acerca tanto al hallazgo definitivo como a la eterna duda.”

Nicola Constantino

Nicola Costantino (1964) nace en Rosario, Argentina,  donde cursa la carrera de Bellas Artes con especialización en escultura.

Cochon sur canapé (1992), su primera muestra individual, es considerada precursora del arte contemporáneo latinoamericano. En 1994 entra en el taller de Barracas de Fundación Antorchas coordinado por Suárez y Benedit y se traslada a Buenos Aires, donde vive y trabaja. En 1998 representa a la Argentina en la bienal de San Pablo, y desde entonces participa en numerosas muestras en museos de todo el mundo, entre los que se destacan Liverpool (1999), Tel Aviv (2002) y Zurich (2011). En 2000 realiza una muestra individual en Deitch Projects (Nueva York) y su Corset de peletería humana ingresa en la colección del MOMA. En 2004 presenta Animal Motion Planet, una serie de máquinas ortopédicas para animales nonatos, y Savon de Corps, obra que tuvo gran repercusión en la prensa. El encuentro con Gabriel Valansi en 2006 significó su entrada al mundo de la fotografía, con más de 30 obras en las que es constante su protagonismo encarnando distintas personalidades del arte y la fotografía. Su interés en la videoperformance la conduce a crear la obra autorreferencial Trailer (2010), su primera producción de tipo cinematográfica, y a abordar un personaje histórico femenino paradigmático como Eva Perón en Rapsodia Inconclusa (55a Bienal de Venecia, 2013).

Blanca SotoScope Miami 3